Art – The empire strikes back à la galerie Saatchi

La galerie Saatchi fait la présentation de 26 artistes d’origine indienne pour la plupart agés de moins de 40 ans reflétant tout le dynamisme de la société Indienne actuelle. Certains présentant une seule œuvre, pour d’autres comme Huma Bhabha jusqu’à 6 sculptures et Jitish Kallat 7 œuvres.  Nous avons été séduit par l’éventail varié de la sélection, passant d’un tableau, à une installation vidéo ou les deux œuvres taxidermique de Huma Mulji.

La galerie Saatchi est une galerie d’art contemporain créée par Charles Saatchi en 1985 à Londres. Exposant tout d’abord des artistes minimalistes et américains, cette galerie à eu une influence majeure sur l’art britannique depuis son ouverture. Elle s’est tournée ensuite vers une nouvelle génération d’artistes anglais, les Young British Artists, dont nombreux inconnus ont vus leurs carrières décollées par la suite. La ville est tapissée d’affiche, je suis Charles Saatchi et je suis un Artoolic, nous avons franchement adoré cet endroit !

Mode – La fashion week de Londres

Somerset house devant la tamise, nous nous lançons dans l’exploration des différents stands des créateurs présents ou représentés. Pour certains, des vêtements et accessoires sans intérêts, mais pour d’autres l’ont voit bien tout le savoir faire des designers et des productions à petite échelle. Retiennent notre attention, les chaussures délurées de Kron by KronKron (kronbykronkron.com) Les minaudières en bois très élégantes de Rociobags rociobags.com La simplicité et l’élégance des robes signé Eugene Lin (eugene-lin.com). Des colliers et bijoux en cote de maille d’une très grande créativité de Fannie Schiavoni qui a déjà collaboré avec Julian MacDonald fannieschiavoni.com

Sinon au delà des fashions victims qui sont à la Somerset house  qui eux se superposent des vêtements de couleurs criardes avec visiblement une grande recherche de chaos, à cent lieux de la sobriété et de l’élégance. Beaucoup de jeunes londonienne portent des petites ballerines avec collant, jupe très courtes et/ou grand pull. Les londoniens ne sont pas vraiment ce que l’on pourrait qualifier à la mode, mais ils ont du style, quel qu’il soit.

Design – Design museum

Une très belle visite dans un bâtiment longeant les docks vers le Tower bridge. Je trouve toujours drôle et surprenant de voir des objets qui ont fait parti de mon quotidien dans un musée tel un walkman à cassette audio. J’ai pu enfin voir la BMW construite d’une toile pour seule carrosserie. Sinon au V&A (Victoria and Albert Museum) une salle présente quelques uns des grands classiques du mobilier design comme la egg chair, à ne pas manquer.

NEW YORK – Un tableau de Picasso de la période rose, L’Acteur, a été endommagé le 22 janvier dernier au Metropolitan Museum par une visiteuse qui a chuté sur l’œuvre, provoquant une déchirure de 15 centimètres.

La période rose correspond à l’époque où Pablo Picasso utilise principalement des couleurs dans les tons orangers et rose en contraste avec les couleurs froides et sombres de la période précédente appelée période bleue. Cette expérience artistique dure environ deux ans, de 1904 à 1906. Picasso est alors heureux avec Fernande Olivier qu’il a rencontrée en 1904, ce qui a été avancé comme une des raisons possibles de l’évolution de sa peinture.

Les arlequins, les personnages de cirque et les clowns apparaissent souvent dans les oeuvres de cette époque ; ces personnages vont rendre populaire, à différents niveaux, la peinture de Picasso au cours de la suite de sa longue carrière. Le personnage d’arlequin, peint habituellement dans son habit à damiers colorés, devint un symbole personnel pour le peintre.

La période rose est considérée subir des influences françaises alors que la période bleue serait soumise à des influences espagnoles bien que ces deux styles apparaissent, tous les deux, alors que Picasso vit à Paris.

Un nouveau site web vient de faire son apparition sur la toile,  il s’agit de l’australien de Shoes of Prey. Ce site vous permet de créer ou plutôt de customiser différents modèles de chaussures, afin qu’il reflète davantage votre idéal en matière de chaussures, celui que vous n’arriviez pas à retrouver dans les magasins. ==> Shoes of Prey

Tabouret Yelo hauteur 47cm- largeur 28cm finition/ enduit, peint & verni création de Tonkr

Le modèle de chaussure Lo Res est l’œuvre d’un processus de création original. D’abord dans un premier temps la chaussure est numérisée via un scanner 3D, puis différents niveaux de résolution sont appliquer pour arrivé à créer « Lo Res ». Certainement fait à partir d’une image en basse résolution => low resolution => Lo Res… C’est par ici

Depuis 1914, une association de jeunes artistes (taxés de dangereux socialistes et anarchistes par les autorités) se déplace de cafés en cafés sous le nom de « Cabaret Pantagruel ». Hugo Ball est membre de cette association, il découvre par hasard un petit bistrot nommé la « Métairie hollandaise ». Il demande à son patron d’utiliser une salle désaffectée et le 5 février 1916, sous l’enseigne « Cabaret Voltaire », Ball ouvre les portes d’un lieu appelé à devenir mythique.

Richard Huelsenbeck, Marcel Duchamp et Tristant Tzara

Le Cabaret Voltaire est un lieu de culture situé au numéro un de la petite Spiegelgasse, à Zurich, la rue où demeura Lénine. Actif pendant six mois, de février à juillet 1916, il finit par fermer ses portes pour tapage nocturne et tapage moral, non sans avoir dans l’intervalle fait émerger le mouvement Dada. L’idée du nom est née d’une plaisanterie fondée sur le décalage apparent entre les mots « cabaret » (la nuit et ses supposés vices) et « Voltaire » (le philosophe).

Hugo Ball lors de la soirée inaugurale du 5 février 1916 pour faire taire l’énorme chahut

« Mesdames et messieurs, le Cabaret Voltaire n’est pas une boîte à attractions comme il y en a tant. Nous ne sommes pas rassemblés ici pour voir des numéros de frou-frou et des exhibitions de jambes, ni pour entendre des rengaines. Le Cabaret Voltaire est un lieu de culture. »

Marcel Janco décrit le cabaret « Une petite salle de quinze à vingt tables avec un plateau de dix mètres carrés, endroit pouvant contenir environ trente-cinq à cinquante visiteurs. Dès les premières soirées, il y eut salle comble. Les spectateurs battaient leur plein tard dans la nuit ce qui nous attirait bien d’ennuis avec les voisins et l’heure de clôture des bourgeois. » (extrait de Dada, monographie d’un mouvement paru dans Willy Verkauf en 1957)

Le mouvement Dada se caractérisa par une remise en cause, à la manière de la table rase, une rupture complète et totale de toutes les conventions et contraintes idéologiques, artistiques et politiques. Ce mouvement a mis en avant l’esprit d’enfance, le jeu avec les convenances et les conventions, le rejet de la raison et de la logique, l’extravagance, la dérision et l’humour. Ses artistes se voulaient irrespectueux, extravagants, affichant un mépris total envers les « vieilleries » du passé comme celles du présent qui perduraient. Ils recherchaient la plus grande liberté de créativité, pour laquelle ils utilisèrent tous les matériaux et formes disponibles. Ils recherchaient également cette liberté dans le langage, qu’ils aimaient lyrique et hétéroclite. Tout ceci allait marquer les vrais débuts de l’art contemporain.

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Selon Damien Hirst « N’importe qui peut peindre comme Rembrandt… » simple question d’entrainement!

Réponse de Jeremy Deller lauréat du prix Turner 2004: « Hirst a travaillé vraiment dur à une seule chose, qui est de se répéter et de se vendre lui-même, mais il ne s’est pas acharné à être un artiste décent depuis plusieurs années ! »