Berlin est réputé comme l’un des pôles les plus actif de la scène contemporaine en Europe, nous étions très motivés de visiter la 6em biennale d’art contemporain, tout comme la  scène alternative et plus généralement l’atmosphère actuelle à Berlin.

Hamburger Bahnoff est l’hôte d’une excellente exposition consacré à Bruce Nauman qui occupe la place centrale du musée.  La Hamburger Bahnhof est une ancienne gare de Berlin, qui se trouve dans le quartier de Moabit. Aujourd’hui, elle abrite le Museum für Gegenwart, musée d art contemporain. Très endommagé au cours de la seconde Guerre mondiale, le bâtiment a trouvé une nouvelle utilisation en 1996 avec la création du Museum für Gegenwart, qui présente des œuvres modernes et contemporaines , par exemple, Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Roy Lichtenstein, Richard Long, Andy Warhol et Cy Twombly. à voir absolument

6em Biennale d’art contemporain Nous avons été très déçu par le contenu de cette biennale, qui était, il faut le souligner, une des motivations principales pour faire ce voyage dans la capitale allemande. Beaucoup trop d’installations vidéos, pour très peu d’œuvres digne d’un réel intérêt. Si vous planifiez une escale à Berlin il ne faut surtout pas faire un détour pour voir ce non-évènement, bien d’autres chose dans la capitale allemande mérite votre attention. Une édition à fuir

Tacheles est un squat qui s’est graduellement transformé en véritable cluster culturel alternatif. La cour arrière ressemble à un décor digne de Mad Max, le café Zapata est un lieu unique. Sur les étages supérieur des artistes à l’œuvre dans de petits ateliers, il est possible de discuter et de prendre un court moment avec eux.  à voir absolument
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Art Basel est une manifestation d’art contemporain se tenant chaque année en juin à Bâle en Suisse attirant environ 60 000 visiteurs répartis sur la semaine. Cofondée par Ernst Beyeler, la première édition eu lieu en 1970.

L’attrait est manifeste du côté des exposants : sur les 1 100 candidats intéressés du monde entier, seuls 300 galeries d’art contemporain représentant 2 500 artistes des XXe siècle et XXIe siècle sont retenues. La sélection des galeries exposantes est ainsi rude, les galeries devant présenter autant des artistes émergents que d’autres bien établis, elles doivent également attester qu’elles promeuvent activement les artistes et qu’elles collaborent à la production. Elle est réputée comme la plus importantes foire annuelle d’art contemporain au monde. Aussi à voir Art Basel 40 vidéo

Nous avons fait une courte escapade à Paris afin de voir l’exposition Paul Klee au musée de l’orangerie. Une exposition qui est organisée en collaboration avec la fondation Beyeler. Je dois avouer que j’ignorais beaucoup à propos de cet artiste, donc un très beau moment et une superbe découverte.

Après un bref voyage en 1914 en Tunisie, il déclara “La peinture et moi ne faisons plus qu’un”. C’est à ce moment-là qu’il décide de devenir peintre. Avec le temps le « motif » disparaît au profit d’une perception synthétique, plus abstraite encore. Son catalogue compte plus de neuf mille titres.

Aussi à voir Dynasty au Palais Tokyo et au Musée d’art moderne de la ville de Paris, il s’agit d’une expo regroupant 40 artistes contemporains pour 80 propositions différentes.

Pour la première fois, l’Espace culturel Louis Vuitton se concentre sur deux artistes. Odile Decq est une architecte confirmée qui vient d’achever l’extension et l’aménagement du MACRO,  Camille Henrot est une plasticienne de 31 ans présélectionnée pour le Prix Marcel Duchamp 2010. Les ailes  d’avion en Totem est l’œuvre qui nous avons préféré.

Fidèle à nos habitudes, nous sommes allés voir l’exposition avant-vente chez Artcurial Montaigne/Champs et nous y avons vu quelques pièces de mobilier de Ron Arad très intéressantes. Pour finir une très courte visite au grand palais pour l’expo France-Russie 2010.

Deux nouvelles institutions entièrement consacrées à la création contemporaine voient le jour à Rome.  Il s’agit d’un véritable coup de tonnerre dans la capitale de l’art classique. Le MAXXI (musée du XXIe siècle) et le MACRO (musée d’Art contemporain de Rome).  Une inauguration simultanée est prévue pour les deux musées, qui sont des extensions d’institutions déjà existantes mais qui prennent aujourd’hui une toute autre dimension.

Zaha Hadid pour le MAXXI, Odile Decq pour le MACRO qui sont les « stars de l’architecture » ont été choisis pour réaliser ce projet grandiose.  Bien que les collections permanentes, soit encore embryonnaires, nous devons les juger sur leurs expositions temporaires, puisque la programmation est très chargée: cinq au MAXXI et neuf au MACRO.  L’ouverture est le 27 mai 2010.

Voici un court résumé de notre petite escapade dans la capitale autrichienne

Art

Le Museums Quartier MQ de Vienne fait partie des dix ensembles culturels les plus vastes au monde. Le complexe fait sensation à deux pas du Palais impérial, il ne se contente pas d’héberger de prestigieux musées comme le Musée Leopold, le Musée d’Art moderne et la Kunsthalle. De nombreux lieux de convivialité viennent renforcer l’attrait de ce quartier de l’art. Situé dans les anciennes écuries de la Cour impériale, il accueille sur 60 000 m2 (7 000 m2 pour le Quartier 21)  des lieux voués aux disciplines artistiques les plus diverses, des restaurants, des cafés et des boutiques et se présente comme une mosaïque postmoderne de bâtiments baroques et d’architecture contemporaine. MQ

Changing de Channel au Mumok est une rétrospective de l’art vidéo de 1963 à 1987, j’ai bien aimé de découvrir un peu plus sur le groupe Ant Farm, mais en général l’exposition n’est pas des plus intéressante. L’exposition Cars à l’Albertina somme toute aussi un peu moyen, je suis surpris de constater que Warhol utilisait encore en 1987 le même procéder de reproduction d’une même image avec des couleurs différentes, comme quoi tout remettre à plat et se mettre en question est certainement une tâche ardue et un risque même pour un artiste reconnu. J’ai toujours beaucoup aimé le travail de Sylvie Fleury, ses vidéos nous plongent dans un univers pictural froid et clinique, très proche de celui du photographe Helmut Newton.

Mode

Jupon et punk, chemisier traditionnel et tatouages, Lena Hoschek a développé un style particulier. Des stars comme Kate Perry et Charlotte Roche portent des éléments de ses collections. Les créations de Lena Hoschek ne sont jamais ordinaires, la créatrice ayant fait ses classes chez Vivienne Westwood. Chaque pièce a son propre style,  ce qui nous a été possible de vérifier dans son studio sur la rue Spittelberg de la créatrice diplômée de l’école de stylisme d’Hetzdenorf . Lena Hoschek 7e arr, Gutenberggasse 17 Tél. +43-1-01 293 22 03

Du 23 au 25 avril 2010 Modepalast transforme le musée des arts appliqués de Vienne (MAK) en la plus grande boutique mode de la ville. Depuis quelques années déjà, c’est un rendez-vous annuel, cette exposition de mode vous donne la possibilité de faire des achats sur place.  La présence de 130 exposants différents garantit une grande variété de style et un excellent mélange d’articles de mode, de bijoux et d’accessoires. Voir la suite…

12e édition de Art Paris, la foire d’art moderne et contemporain qui a longtemps vécu en marge de la FIAC. Depuis 1999 alors que la FIAC émigre du centre-ville vers le Palais des expositions de la Porte de Versailles, quelques galeristes décident de créer aux mêmes dates une manifestation concurrente qui ferait plus de place au marché régional, au goût français et offrirait une alternative aux galeries évincés par le comité de sélection de la FIAC. Art Paris a dorénavant lieu au printemps et n’est plus une foire Off de la FIAC et tente de se hisser au même niveau que la FIAC

La centaine de marchands d’Art Paris à été inviter a devenir curateurs et à organiser des expositions dans leurs stands avec des confrères, mais aussi avec des musées, des architectes, des photographes, même un cuisinier ou un producteur de films pornographiques; près de la moitié ont accepté.

Des espaces pour des expositions thématiques en regroupant des marchands ont été créés, ceux de Saint-Germain-des-Prés, par exemple, qui présentent un modèle d’appartement de collectionneur. Art Paris s’est aussi adressé à des régions émergentes, comme l’Indonésie, la Finlande ou l’Afrique pour les faire entrer dans la danse du marché mondial. Art Paris s’appelle désormais Art Paris + Guests et son slogan est Just Art !

Pour la première édition d’Art Paris qui est sous sa responsabilité, il a déjà imprimé sa marque. «L’art est inséparable du style de vie, aime-t-il répéter, et de plus en plus de gens veulent y accéder.» Ce style, c’est le «cross-over», le croisement des modes d’expression et des activités. Il a invité la centaine de marchands d’Art Paris à devenir curateurs et à organiser des expositions dans leurs stands avec des confrères, mais aussi avec des musées, des architectes, des photographes, même un cuisinier ou un producteur de films pornographiques; près de la moitié ont accepté. Il a créé des espaces pour des expositions thématiques en regroupant des marchands, ceux de Saint-Germain-des-Prés, par exemple, qui présentent un modèle d’appartement de collectionneur. Et il s’est adressé à des régions émergentes, comme l’Indonésie, la Finlande ou l’Afrique pour les faire entrer dans la danse du marché mondial. Art Paris s’appelle désormais Art Paris + Guests et son slogan est Just Art! On ne peut être plus clair.

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Mercredi, lors de la journée réservée aux professionnels, la surprise des visiteurs était palpable face au nouveau style des stands et des accrochages où l’art des années 1950 prend un véritable coup de jeune à côté des œuvres dernier cri, où surgissent des scènes artistiques qui n’avaient jamais accédé jusqu’ici à une foire de ce niveau. Quelques grands collectionneurs étaient aussi au rendez-vous. S’il faut encore attendre pour être sûr que le succès commercial le sera aussi, Art Paris a déjà montré les dents. Lorenzo Rudolf dit qu’il a cinq ans pour prouver qu’elles sont solides.

Art Paris + Guests jusqu’au 22 mars, Grand Palais, av. Winston-Churchill, Paris 8e. Tous les jours, de 11 à 20 h 30 (lundi de 11 à 18 h).

NEW YORK – Un tableau de Picasso de la période rose, L’Acteur, a été endommagé le 22 janvier dernier au Metropolitan Museum par une visiteuse qui a chuté sur l’œuvre, provoquant une déchirure de 15 centimètres.

La période rose correspond à l’époque où Pablo Picasso utilise principalement des couleurs dans les tons orangers et rose en contraste avec les couleurs froides et sombres de la période précédente appelée période bleue. Cette expérience artistique dure environ deux ans, de 1904 à 1906. Picasso est alors heureux avec Fernande Olivier qu’il a rencontrée en 1904, ce qui a été avancé comme une des raisons possibles de l’évolution de sa peinture.

Les arlequins, les personnages de cirque et les clowns apparaissent souvent dans les oeuvres de cette époque ; ces personnages vont rendre populaire, à différents niveaux, la peinture de Picasso au cours de la suite de sa longue carrière. Le personnage d’arlequin, peint habituellement dans son habit à damiers colorés, devint un symbole personnel pour le peintre.

La période rose est considérée subir des influences françaises alors que la période bleue serait soumise à des influences espagnoles bien que ces deux styles apparaissent, tous les deux, alors que Picasso vit à Paris.

Depuis 1914, une association de jeunes artistes (taxés de dangereux socialistes et anarchistes par les autorités) se déplace de cafés en cafés sous le nom de « Cabaret Pantagruel ». Hugo Ball est membre de cette association, il découvre par hasard un petit bistrot nommé la « Métairie hollandaise ». Il demande à son patron d’utiliser une salle désaffectée et le 5 février 1916, sous l’enseigne « Cabaret Voltaire », Ball ouvre les portes d’un lieu appelé à devenir mythique.

Le Cabaret Voltaire est un lieu de culture situé au numéro un de la petite Spiegelgasse, à Zurich, la rue où demeura Lénine. Actif pendant six mois, de février à juillet 1916, il finit par fermer ses portes pour tapage nocturne et tapage moral, non sans avoir dans l’intervalle fait émerger le mouvement Dada. L’idée du nom est née d’une plaisanterie fondée sur le décalage apparent entre les mots « cabaret » (la nuit et ses supposés vices) et « Voltaire » (le philosophe).

Hugo Ball lors de la soirée inaugurale du 5 février 1916 pour faire taire l’énorme chahut

« Mesdames et messieurs, le Cabaret Voltaire n’est pas une boîte à attractions comme il y en a tant. Nous ne sommes pas rassemblés ici pour voir des numéros de frou-frou et des exhibitions de jambes, ni pour entendre des rengaines. Le Cabaret Voltaire est un lieu de culture. »

Marcel Janco décrit le cabaret « Une petite salle de quinze à vingt tables avec un plateau de dix mètres carrés, endroit pouvant contenir environ trente-cinq à cinquante visiteurs. Dès les premières soirées, il y eut salle comble. Les spectateurs battaient leur plein tard dans la nuit ce qui nous attirait bien d’ennuis avec les voisins et l’heure de clôture des bourgeois. » (extrait de Dada, monographie d’un mouvement paru dans Willy Verkauf en 1957)

Le mouvement Dada se caractérisa par une remise en cause, à la manière de la table rase, une rupture complète et totale de toutes les conventions et contraintes idéologiques, artistiques et politiques. Ce mouvement a mis en avant l’esprit d’enfance, le jeu avec les convenances et les conventions, le rejet de la raison et de la logique, l’extravagance, la dérision et l’humour. Ses artistes se voulaient irrespectueux, extravagants, affichant un mépris total envers les « vieilleries » du passé comme celles du présent qui perduraient. Ils recherchaient la plus grande liberté de créativité, pour laquelle ils utilisèrent tous les matériaux et formes disponibles. Ils recherchaient également cette liberté dans le langage, qu’ils aimaient lyrique et hétéroclite. Tout ceci allait marquer les vrais débuts de l’art contemporain.

Selon Damien Hirst “N’importe qui peut peindre comme Rembrandt…” simple question d’entrainement!

Réponse de Jeremy Deller lauréat du prix Turner 2004: “Hirst a travaillé vraiment dur à une seule chose, qui est de se répéter et de se vendre lui-même, mais il ne s’est pas acharné à être un artiste décent depuis plusieurs années !”

Nick van Woert
b. Reno, Nevada 1979
Lives in Brooklyn, NY
nick@fourteensquarefeet.com
fourteensquarefeet.com

Quelques exposition:
2009 Funny Games / Curated by Jamillah James / Baltimore, Md
2009 Group Show / Fourteen30 / Portland, Or
2009 Where The Sun Don’t Shine / Nudashank / Baltimore, Md
2009 High, Low and In Between / Grimm Fine Art / Amsterdam
2008 New Construction / Fourteen30 / Portland, OR
2007 Unseriously Serious / Linda Warren Gallery / Chicago, Il
2007 ISC Award Show / Grounds For Sculpture / Hamilton, Nj
2007 Also Known As / fette’s gallery / Los Angeles, Ca